坐落在“唐楼”里的文化中心
在中国香港中环卑利街11号，一栋建于1948年的“唐楼”被重新翻修。新生的建筑既保留了红砖墙、旧木窗的历史建筑细节，又融入了通透简洁的现代空间结构，成为一个多功能创意空间——集体验式零售、展览、工作坊和艺术家驻留于一体，这里便是飘雅活艺的总部。这个空间恰好诠释了基金会的理念：用当代的眼光，去传承、复兴并重新诠释传统工艺。
作为中国香港本土的非营利基金会，飘雅活艺长期推动不同代际间匠人的交流合作，鼓励工艺师从自身经历与文化背景中汲取灵感，用创新的设计思路让传统工艺焕发新生。其发起的“工艺研修计划”（CraftsFellowshipProgramme）邀请传统工艺匠人与新生代工艺创作者组成搭档，在约80小时的共创周期中，通过观摩、实践与讨论，深入理解彼此的技艺、理论体系和创作方法。老一辈传授给年轻艺术家的不仅是技术，还有口述的历史、对手艺近乎执拗的坚持；新一代创作者则把当代前瞻的设计思维和视野带进来，让这门手艺“长”出新的面貌。
合作的尾声，是他们共同为飘雅活艺创作一件委任作品，并以此作走上国际展览的舞台。这种合作并非单向“传承”，而更接近一种双向修正：既加深了当代对亚洲工艺叙事的理解，也通过国际展示将本土创作和全球工艺社群联结在一起。如基金会创始人陈雅文所言：“我们希望各位观众看到的不仅是作品的表面，更是不同代际的工艺师们的共同热情、对知识的持续追求以及热忱满满的精神。”这样的初衷正与伦敦工艺周的使命不谋而合。
与伦敦工艺周的持续关系
自2015年创办至今，伦敦工艺周已成为全球工艺领域的重要平台。通过精心策划的展览和活动，工艺周聚焦于精美物件背后的创作者，讲述他们的灵感来源、制作过程与创作故事。参选作品的遴选标准并非基于市场价格或艺术家知名度，而是根据作品独一无二的美学和精神价值。
2026年工艺周于5月11日—5月17日举行。遍布伦敦逾150个场馆的展览与活动，不仅引领观众穿梭于品牌门店、博物馆与画廊之间，也引导他们拐进那些不起眼的小巷，推开独立创作者与传承匠人的工作室大门。工艺周既呈现出多元而开放的创意面貌，也让原本位于幕后的手工艺制作过程，呈现于城市生活的日常之间。
这是飘雅活艺基金会第五次参与伦敦工艺周。从“寻竹探艺”“点艺成金”到“手制心造”“工艺连心”，持续通过展览的形式，推动跨地域的文化交流，将中国香港的本土文化遗产带向跨地域语境的舞台。这一路径已逐渐产生反馈。2021年工艺周期间，艺术家刘美仪在“寻竹探艺”中展出的竹编工艺作品《红叶》，展后随即被英国维多利亚与阿尔伯特博物馆（V&A）收藏，并作为中国馆藏作品在博物馆特展中展出。
此次基金会带来的展览“艺脉新生”选址于伦敦南肯辛顿的皇家雕塑家协会（RoyalSocietyofSculptors），是继去年12月中国香港展出后，首度登上海外舞台。展览以“创意跨界融合”为核心，汇集五组，来自中国内地及中国香港的工艺创作者，跨越地域与世代的界限，以多元媒介为纽带展开对话，共同呈现一系列基于非遗工艺而创作的精彩作品。
跨世代的工艺对话
在今年的非遗合作案例中，广绣非遗代表性传承人王新元与纺织设计师吴燕玲合作，将广绣与“Reverie”纺织线结合，创作出《文人石系列：时光绣语》。作品以文人石为灵感，呼应地层在自然力量下缓慢积累、塑形的过程。层叠织物构成结构，细密针脚沿表面延展，使原本柔软的材料在空间中获得近乎雕塑般的存在感。
以六朵盛放的紫荆花为意象的《金映·共生》，由传统贴金工艺工作室——祥利木器贴金与当代工艺师赖以尊联袂呈现。在传统贴金工艺师的指导下，赖以尊将传统贴金工艺从装饰语境中抽离，延伸至多种材质之上，以木材、陶瓷、树脂等重塑花形，并结合3D打印带来的新肌理，使作品呈现出丰富的触感层次。同时，他引入银箔与铜箔，在材质的对比与转化中，拓展贴金工艺在当代语境中的表现力。
进一步引入互动机制的《白铁帆船》或许是最令人挪不开目光的作品。白铁非遗代表性工艺传承人俞国强与产品设计师余兆枬以香港本地的帆船为意象，融合传统白铁工艺与数字制造技术，讲述城市从渔村到大都会的城市变迁。船体锚定于金属环底座，周围环绕动态金属鱼群。当观众转动船舵，装置随之联动，光影与金属结构交织变幻。
竹艺创作者林嘉裕以蒸笼为基础，融合工艺语言，将标志性建筑意象转译为模组化竹艺结构，创作出作品《大本钟》。当代工艺创作者张慧敏则通过“生如夏花”系列向香港传统批花工艺大师吴赋猛致敬，以花丝镶嵌工艺创作出三朵轻盈绽放的花卉形态。
在这些案例中，传统工艺不再仅是技法的保存，而成为一种可以被转译与重组的全新媒介。展览的五组作品，代表了五种不同传统工艺，却都指向了同一个问题：传统工艺在当代语境下如何延续？借本年度伦敦工艺周展览，我们特别采访到飘雅活艺基金会创意总监、策展人陆咏沁，她对此给出的答案是：“工艺是一种超越物质的语言，联结着过去时光的温度与对未来的想象。”
启迪对话
《收藏／拍卖》×陆咏沁
你们如何寻找到这些工艺匠人？在他们与新生代艺术家共同创作的过程中，有没有让您印象特别深刻的变化？
我们与传统工艺匠人的合作，源于一份对“根源”的敬畏与寻访。通过举办“工艺研修计划”的定向邀请，我们走进了许多大隐隐于市的工作室，去寻找那些在喧嚣时代中依然守候文化血脉的工艺大师和当代工艺创作者。在这些交流中，让我动容的就是那种从“观望”到“共生”的蜕变过程。比如今年广绣大师王新元与设计师吴燕玲的合作。最初，王老师习惯于丝线的细腻材质与平面的创作，但当吴燕玲引入立体与创新的“Reverie”纺织布料时，双方在材质的“韧性”与“空间感”上产生了激烈的讨论。
最终，我们看见细腻的针脚从平面中释放，转化为具备雕塑感的《文人石系列：时光绣语》，那种将传统工艺推向立体空间的突破，正是在这种协作中，别具生命力的瞬间。
在伦敦工艺周展出时，面对背景多元的观众群体，展览呈现方式是否有特别的调整或变化？
这是“艺脉新生”首次在海外亮相，我们选择在英国伦敦皇家雕塑家协会这个充满历史感的艺术空间展出。在空间陈设上，我们特别强调了作品背后的叙事脉络，将工艺师们追求创新的决心，与他们合作共创的热情置于展览的核心。
我们还安排了多位参展艺术家如吴燕玲、张慧敏、余兆枬及赖以尊亲临展览现场，透过现场演示与观众展开互动，使伦敦的观众能近距离体会到贴金技艺的细腻，或是白铁工艺在当代设计语境下的延展。希望这种“动态”的呈现方式，能打破地域界限，邀请全球工艺社群共同参与这场关于未来的创意想象，从而理解中国传统工艺中复杂的技法及其背后的文化语境。
相比前几次参加伦敦工艺周，今年的挑战是什么？
第五年参与伦敦工艺周，对我们而言是一次关于策展初心与公共对话的重塑与进阶。与往年相比，今年的挑战在于如何更宏观地呈现一个跨界融合的生态系统。我们展出的作品，从重新诠释的文人赏石、模组化的竹艺结构到具有互动性的白铁装置，都在挑战大众对传统工艺的既定边界。
在空间编排中，我们特别强化了一个自创立之初便始终坚持，却仍被许多观众忽略的核心元素——即“可触摸性”。这次我们刻意打破传统展览将展品视为“神圣不可触碰”的陈列惯例，着力为观众带来耳目一新的体验。这种互动不仅强调了作品的材质触感与工艺温度，更承载着重要的教育意涵：我们期盼能以此启发大众对工艺品的呵护与珍视。在策略层面上，最核心的挑战在于如何精准平衡“开放互动”与“作品保护”之间的矛盾。
我们希望传统工艺不应仅存在于玻璃柜中，而可以成为日常生活中可被真实感知、被珍视的美学存在。
在AI算法飞速发展的背景下，“艺脉新生”对于传承匠人和新生代艺术家的意义是什么？
在科技发展的当下，更需要回归到“人”的本质。这个项目对我而言，是一个生机勃勃的创作系统。AI或许能精准地复制形态，但它无法复制工艺师在创作过程中留下的指尖温度、情感起伏以及那种“造物”过程的谦卑感。
对于传统工艺师来说，这种跨界协作是赋予技艺“新生命”的关键；而对于当代工艺创作者而言，传统工艺则是支撑创意飞翔的“基石”。我们深信，创意产业和当代艺术的未来在于这种手工感与前瞻思维的结合。这不只是为了保存过去，更是为了在一个数码化的世界中，为人类保留一份触手可及的真实。
